Lo que puedes aprender del minimalismo japonés
de Jes Kalled | ARTE , ESTILO DE VIDA
© Tetsuya Miura , Ikebana de Nishiyama Hayato
A medida que nuestras vidas se sacian cada vez más con cosas y desorden, la filosofía de menos es más se vuelve cada vez más atractiva. En Japón, el minimalismo ha sido parte del arte y la filosofía durante siglos, por lo que tiene sentido buscar inspiración en el país sobre cómo vivir una vida ordenada. Ya sea que recuerde el arte minimalista japonés, o el minimalismo como filosofía de diseño en el hogar, o las obras de los escritores de estilo de vida moderno, ¡ciertamente puede encontrar una manera de incorporar los principios del minimalismo japonés en su vida cotidiana!
1. Pinos de Tohaku Hasegawa
Pinos de Hasegawa Tohaku
Los biombos, Pine Trees, pintados entre 1539-1610 por Tohaku Hasegawa se consideran un tesoro nacional de Japón. En contraste con los estilos y tendencias de grandeza de finales del siglo XVI, obras como los pinos y otras formas de prácticas artísticas rústicas y simplistas como la ceremonia del té hicieron su propia resistencia contra la decadencia de la época. Esta apreciación de lo rústico, de la impermanencia, de las piezas no pintadas en oro se puede ver en Pine Trees . Aunque algunos de los otros trabajos de Hasegawa presentan gustos más elaborados, Pine Trees se compone de pinceladas simples y rápidas para crear espacio, capas y luz . Según una interpretación del Museo Nacional de Tokio, la pintura captura más o menos una pintura de tinta japonesa por excelencia debido a su simplicidad innata, la falta de oro y el uso de la tinta como única estética para crear profundidad.
Disfruta más de las obras de Hagesawa en Hasegawa Tohaku: The Timeless Giant of Japanese Art .
2. Raku Yaki, Chojiro y Wabi Sabi
Cuenco de té con esmalte negro atribuido a Chojiro, principios del siglo XVII, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
En una vena rústica igualmente única de finales del siglo XVI, raku yaki (cerámica raku) hace una declaración en su forma sin pretensiones. Originalmente hecho a mano por Chojiro, el fundador de la familia Raku, el raku yaki consiste principalmente en tazones de té rojo y negro . Estos cuencos de té fueron solicitados por el maestro del té wabi sabi , Sen no Rikyu, quien encarnaba un estilo de vida humilde que abarcaba la imperfección y la falta de plenitud. El trabajo de Chojiro y los muchos trabajos de raku yaki que siguieron en los años venideros demuestran una calidad austera de vanguardia que todavía asociamos con el wabi sabi y el minimalismo en la actualidad. Aplicar algo nuevo (aunque sutilmente) a algo antiguo, un pequeño cambio o un pequeño error que inspira sin cesar.
Obtenga más información en Cerámica Raku: ¡Todo lo que necesita saber !
3. La casa Moriyama de Ryue Nishizawa
© Ryue Nishisawa , Casa Moriyama
Muchos se apresuran a señalar la arquitectura japonesa cuando se trata de la naturaleza destilada de su minimalismo, a menudo también asociado con lo moderno e intrínsecamente convincente. En ciudades extensas como Tokio, la casa japonesa se adapta y con gracia (a veces) intenta mantener un cierto espacio de flexibilidad y función. La Casa Moriyama lo hace creando la posibilidad de un espacio común, destacando la relación entre lo privado y lo público.. Esta agrupación de pequeños edificios, diez en total, enfatiza la solidaridad de una habitación singular y, sin embargo, sus delgadas paredes parecen implicar el desmoronamiento de un espacio privado que se despliega en algo compartido. El revestimiento de acero de las paredes fue diseñado intencionalmente para crear más espacio interior. El uso de ciertos materiales para crear un ambiente más habitable en el caos de Tokio es posiblemente uno de gusto minimalista, un deseo de vivir prolijamente a pesar del vecindario en constante cambio, crecimiento y fugacidad en el exterior.
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4. Ikebana de Toshiro Kawase
© Tetsuya Miura , Ikebana de Nishiyama Hayato
“Todo el universo está contenido en una sola flor”, dice el artista de ikebana Toshiro Kawase. En esta forma de arte centenaria, los principios que brillan son de naturaleza minimalista. Históricamente, el ikebana, o arreglos florales japoneses, comenzó como una especie de ofrenda a los dioses, una forma de integrar el mundo humano con las contrapartes sagradas . A lo largo de los años, se convirtió en una práctica formal de arreglos, cuyas pautas han experimentado cambios sutiles a lo largo de los años, especialmente en lo que respecta a cuánto se cumplen o ignoran ligeramente las reglas. La relación entre estos dos extremos, entre otras ideas filosóficas, se representa en la yuxtaposición de flores presentadas, ya sea un capullo o un tallo.
En su libro de fotos, Inspired Flower Arrangements, Kawase juega con dualidades y nuevas formas de expresar el oficio, o mejor aún, un sentido fugaz de la vida en toda su variedad, con herramientas increíblemente mínimas pero fundamentales: flores, musgo, tierra .
Prueba tu propia mano en ikebana: todo lo que necesitas saber sobre el arte floral japonés .
5. Taburete Deja Vu de Naoto Fukasawa
© Naoto Fukasawa , Taburete Deja Vu
El renombrado Naoto Fukasawa es un diseñador industrial y un artista respetado de la elegante creación minimalista de todos los días y artículos habituales . Fukasawa diseña cualquier cosa, desde bolsos, espacios interiores y varios tipos de muebles. Fukasawa, que fundó su propio estudio en 2003 y forma parte de la junta directiva de empresas como Muji, es un creador muy solicitado por la forma única en que controla un espacio. El taburete Deja Vu, uno de los muchos taburetes y sillas con un nombre similar, se destaca y, sin embargo, combina. No muy diferente de la línea de pensamiento de que un taburete es un taburete es un taburete , su diseño es agradable y laborioso. Fukasawa fue citado en 2015 en una declaración sobre su trabajo, el comportamiento humano inconsciente. , un concepto con el que sigue jugando en cada proyecto que emprende, incluida la elegancia simplista de la familia Deja Vu Stool.
6. Sankai Juku
El grupo de danza butoh, Sankai Juku , fundado en 1975 por Ushio Amagatsu, utiliza el escenario y materiales minimalistas para contar una historia además de la coreografía de cuerpos . En su actuación, Umusuna (antigua palabra para lugar de nacimiento), una capa de arena cubre el escenario y cae desde arriba continuamente en el centro del escenario. Al final del baile, la arena se ha movido y el público puede ver claramente el impacto del movimiento de los bailarines. Una entrevista con Amagatsu en la revista WochiKochiél dice: “Me gusta la idea del arte escénico que cambia con el tiempo. Por eso utilizo cosas como arena o agua que aportan cualidades tangibles a mi trabajo ". A diferencia de otras obras en el escenario, y muy diferente de nuestro propio concepto moderno del tiempo, Sankai Juku trabaja para difuminar nuestra idea de que el tiempo existe en lugares separados, combinando estaciones y rompiendo estructuras lineales. The Routledge Companion to Butoh Performance dice: "Por lo tanto, un momento determinado no se vuelve obsoleto con el tiempo". De esta forma todo está presente.
7. Dibujo París-Nueva York núm. 144 por On Kawara
© On Kawara, París-Nueva York Dibujo No. 14, 1964
Famosamente conocido por ser definido únicamente por su trabajo (su ausencia se sintió en sus propias exposiciones) On Kawara documentó su propia vida meticulosamente y sin fanfarrias. Esto se puede ver en la gran cantidad de obras que creó, hasta unas 3.000 piezas individuales. Su dedicación y consistencia no era tan diferente a una práctica meditativa., los proyectos que creó destacando lo cotidiano y lo casi mundano, pero con alguna ligera variación. Dibujo París-Nueva York núm. 144 es uno de los 200 dibujos que hizo mientras viajaba entre París y Nueva York en la década de 1960. El dibujo parece hacer referencia a la pintora minimalista Agnes Martin por su ligereza y su presentación en forma de cuadrícula. A pesar de la apariencia de simplicidad en estas obras, los dibujos de París-Nueva York desprenden una sensación inquietante. El grafito y el lápiz de color sobre papel de Kawara es un claro ejemplo de minimalismo que hace un trabajo figurativo a largo plazo. Su trabajo posterior continúa jugando con estas ideas, aunque con una atención más lírica con títulos como Title , Today Series , y todavía estoy vivo.. Más tarde se convertiría en uno de los artistas utilizados para definir lo que ahora se llama "arte conceptual".
8. Final Home por Kosuke Tsumura
© Kosuke Tsumura , Casa final
El diseñador de moda y conocedor de marcas distópicas Kosuke Tsumura señala sus creaciones en torno a la idea de sostenibilidad y función de utilidad. En Final Home , encontramos una chaqueta con bolsillos, cremalleras y una ubicación ideal de herramientas de supervivencia, pensada para un uso apocalíptico real y, sin embargo, también destinada a provocar. Curiosamente, el trabajo de Tsumura se identifica más a menudo como proyectos en lugar de como una marca. Esto se puede ejemplificar en Final Home, donde una chaqueta es un lugar para vivir, un concepto de un lugar de descanso móvil si todo lo demás se derrumba en el olvido. Donde las marcas capitalizan la producción y las ventas de muchas , la chaqueta Final Home prioriza la única. Es el único artículo que necesitará. Sin embargo, el alto precio de venta al público del artículo lo hace inaccesible para quienes realmente lo necesitan. Para contrarrestar esto, Tsumura incluye una tarjeta con cada compra pidiéndole al propietario que no la deseche, sino que la devuelva al fabricante original para reciclarla y reutilizarla. Una vez devuelta la prenda, Tsumura se la da a quienes más la necesitan.
9. La magia de poner en orden que cambia la vida de Marie Kondo
Conocido internacionalmente como la serie de Netflix Tidying Up With Marie Kondo que se convirtió en una sensación, este libro, The Life-Changing Magic of Tidying Up, fue el comienzo de una tendencia minimalista muy visible en 2011. Marie Kondo es una consultora de limpieza autoproclamada , aconsejando a sus fans y clientes por igual que se arreglen con cuidado y, en última instancia, le den a su vida un cambio de imagen saludable y saludable . El término chispear alegría todavía está zumbando en los rincones de los memes y cayendo casualmente en las conversaciones diarias. El impacto de esta marca de minimalismo nos recuerda que una idea es consumible, hasta el punto de adoptarla en nuestras vidas. De esta forma, ordenar con Marie Kondoes una forma de minimalismo capitalista, aunque accesible, que se convierte en el nuestro. El libro en sí mismo enseña más que ordenar, Konmari reitera la importancia de la intención y poner tu mente en orden, lo que implica que el resto seguirá. Lo primero y más importante es la filosofía del descarte , que en línea con las tendencias minimalistas y la alegría lo es todo.
10. Adiós cosas de Fumio Sasaki
En contraste con la fluidez profesional de Marie Kondo, Fumio Sasaki emite la sensación de que no tiene su vida juntos, al menos no solía hacerlo. Su método de mottainai y menos es más es más una reacción a una vida que no le traía alegría constante ( ¿Qué es Mottainai? La filosofía ecológica de Japón ). En su libro, Goodbye, Things , el lector se transporta a una historia de cambio muy personal y con la que se puede relacionar. Al igual que Marie Kondo, ofrece consejos sobre cómo cambiar su vida y destaca la importancia de transformar su entorno. para aprovechar completamente una vida que te trae más paz. El libro de Sasaki se publicó en 2015, en una época en la que la forma de vida minimalista ya era en sí misma un movimiento, un estilo de vida, una marca; es tendencia. Pero su intento es claro: hacerlo más accesible a todos, y quitarle su brillo capitalista. Un artículo del Japan Times cita a Sasaki: "Ya sea que vivamos solos o con otras personas, pocos reconocen la presencia de otro compañero de cuarto", escribe Sasaki. “Este compañero de cuarto se llama 'Cosas' y el espacio que ocupa 'Cosas' suele ser mucho más grande que el espacio que las personas tienen para sí mismas”.
